UNA CHICA URGENTEMENTE (GIRL RUSH) 1944

Girl Rush es una típica producción de relleno de la época dorada de los estudios hollywoodienses. Un catálogo de escenas y situaciones tópicas, rodadas con habilidad por los técnicos y bien interpretadas por los actores. Entre los primeros, nombres importantes como el de Nicholas Musuraca como director de fotografía, Darrel Silvera y William Stevens en la dirección artística y un todoterreno en la dirección: Gordon Douglas. Los segundos tienen como protagonistas a la que fuera la respuesta de la productora RKO a la pareja de cómicos de la Universal: Abott y Costello, los mucho menos conocidos Wally Brown y Alan Carney. Juntos protagonizaron unas cuantas películas en los años cuarenta y ambos continuaron, ya separados, sus respectivas carreras apareciendo en multitud de películas, series y telefilmes en papeles secundarios. En 1961 volvieron a compartir brevemente el metraje de un film de Walt Disney: "Un sabio en las nubes". En "Girl Rush" también aparece un jovencísimo Robert Mitchum en un rol secundario, en el que le toca hacer de galán que se lleva a la chica.

El film es un pastiche que mezcla diversos géneros en clave paródica. Así tenemos el musical ya que los protagonistas son un par de fulleros que se dedican al espectáculo (cantan y bailan), el western en sus vertientes de los buscadores de oro, del cacique que aterroriza a una incipiente población y a la falta de mujeres en estas localidades de colonos.

El guión nos cuenta la historia de una pequeña compañia teatral formada principalmente por mujeres. La partida de la clientela a los territorios con oro hace que las mujeres tomen la decisión de que la pareja cómica formada por Miles y Strager vayan también a buscar oro para conseguir dinero y comprar los materiales necesarios para poder representar en Nueva York. Así que tras pasar penalidades y no obtener oro acaban en un pequeño pueblo, donde engañan a los mineros que les dan dinero para que lleven a las mujeres. Su idea es quedarse con el dinero y así poder viajar con la compañia a Nueva York, pero dos de los buscadores de oro les acompañan y al final se ven obligados a regresar con las chicas al pueblo.

El film es divertido y la pareja formada por Carney & Brown funciona bien. Algo así como un precedente de "Dos tontos muy tontos". Ninguno es muy listo, aunque si muy tahures, no tienen ningún reparo en timar a quien haga falta con tal de poder llenar la barriga o conseguir dinero. Las escenas que protagonizan son en general absurdas y algunas hasta surrealistas como la aparición de un oso y una mofeta que hablan. En el desarrollo de la película hay varias escenas de relleno como las que le tocan protagonizar a Robert Mitchum, quien hace de galán y que aparte de previsibles, ralentizan la acción. Mitchum hace lo que puede para dar un poco de entidad al personaje y hay que reconocer que ya apuntaba maneras de estrella. La parte final resulta muy jocosa, ya que han de disfrazarse todos de mujeres para engañar al mafiosillo del pueblo que está esperando para matarlos. Una pelea en el bar con todos vestidos de mujer pone el punto final de una forma que por un lado homenajea a las típicas peleas del western y que por otro parodia y desmitifica.

Su director Gordon Douglas, realiza la película con notable corrección, planificando siempre para dar relevancia a la interpretación de su duo protagonista y resultando en todo momento invisible. Douglas destacó como el perfecto trabajador, conocedor de su oficio, lo que le permitió realizar buenas, regulares y malas películas en todo tipo de géneros en una larga carrera de cuarenta años de trabajo.

CHATO, EL APACHE (CHATO´S LAND) 1972

Había vuelto a ver “Pelham 1,2,3” de nuevo, con la intención de escribir un pequeño comentario aprovechando el estreno del remake de Tony Scott y justo cuando empezaba a escribir las primeras líneas y merodeando al mismo tiempo por internet me encuentro con que el amigo Budokan en su blog “Otros clásicos” ya había colgado un texto sobre la película hace unos días. Como el artículo está muy bien y a mi no se me ocurre nada más que decir, pues simplemente os remito a su página para que lo leáis ("The taking of Pelham 1,2,3"). Así que sin nada que escribir se me ocurrió que podía ver alguna película realizada por aquellos años y que también estuviera firmada por algún realizador no muy afortunado pero que si hubiera realizado una buena película de género. Se me ocurrió que Michael Winner era un buen candidato y que su película “Chato el Apache” era un excelente film.

Es un western violento y extraño, aunque su argumento gire en torno a una pequeña anecdota. Chato, un indio mestizo, mata en defensa propia a un sheriff racista en un bar. Un grupo de hombres blancos de la zona se reunen para cazarlo y matarlo. Chato juega con ellos ya que los conduce al desierto, territorio donde vive con su mujer e hijos con la idea de desalentarlos en su persecución. Los blancos descubren a la mujer y la violan, logrando con ello que la ira de Chato se materialice en una venganza en la que no sobrevivirá ninguno de los cazadores.

El título original “Chato´s land” me parece mucho más acertado que el que se puso en España. Ya que esta tierra de la que habla es un elemento fundamental en el relato. Un territorio que se va a mostrar hostil y peligroso para los que se adentran en el. Winner y la dirección de fotografía de Robert Paynter juegan con este espacio que no da tregua mostrándolo seco, inhóspito, muerto... desde el punto de vista de los blancos y cambiante, flexible, vivo y hospitalario desde la posición de Chato, lo que por supuesto le da una gran ventaja.

El guión de Gerald Wilson es sencillo, pero enormemente hábil a a la hora de estructurar la narración y de mostrarnos a los personajes. Es muy interesante como nos presenta al gupo de hombres blancos dispuestos a abandonarse a su odio racial. A esta parte se la dedica un tiempo más que considerable y es importante porque vamos a conocer algunos datos sobre quienes constituyen este comité de linchamiento. Así vemos que uno de ellos, Jubal, era amigo del sheriff muerto, También descubrimos que el y sus hijos son una especie de bandoleros que se dedican a robar ganado. Otro es Quincey, un antiguo militar conferedado que se apunta al pelotón para comandarlo y revivir mejores tiempos. Un granjero recien llegado se apunta por pura presión social y otros por simple antipatía y odio de blanco a los indios, ya que en general todos sabían que el sheriff era un simple y torpe brabucón que se había buscado lo que se merecía. Este grupo sale fresco y compacto a por su presa a la que ya dan por cazada en pocas horas. En el transcurso del viaje los personajes, especialmente Quincey (estupendamente interpretado por Jack Palance), cuentan detalles sobre su vida. Quincey habla de su experiencia en la guerra y se muestra como un hombre resolutivo y experimentado. De Chato, sin embargo, el espectador sólo va a conocer aquello que ve, ya que no solo aparece durante breves minutos a lo largo de todo el metraje, sino que además su diálogo es mínimo. Sus acciones son las que nos dan la información: rápido con la pistola, dominador del terreno (el desierto), estratega, mantiene el control de la situación casí todo el tiempo. Aquí el guión juega una de sus mejores bazas, que es convertir al mestizo en una especie de brutal fantasma. Hay largos tramos sin la presencia física de Chato, sin embargo el espectador siempre tiene la sensación de que el personaje esta ahí, escondido, esperando... Así Chato pasa de ser una simple figuran que trata de sobrevivir a una especie de ser mítico, sobrehumano, una fuerza violenta e imparable de la naturaleza que castiga al hombre blanco por su soberbia y sus malas artes.

El film cuenta con una parte final magnífica y muy violenta, en la que tras la violación de la mujer, Chato va acabando uno por uno con todo el grupo. Pero antes de que esto ocurra el grupo de blancos ha perdido toda su solidez, apareciendo tensiones que acabaran enfrentándolos entre ellos mismos. Lo sorprendente para el espectador es que algunos de los que mueren a manos del propio hombre blanco son dos de los protagonistas, Quincey y Jubal, quedando para el final dos de los personajes que menor peso habían tenido en el relato. La venganza de Chato es terrible concluyendo la película con el último personaje corriendo sediento y cansado hacia una muerte segura en un territorio mortal. El plano aéreo de Chato dirigiendo al hombre hacia lo que será su tumba con el cañon de fondo es espeluznante.

Los actores están muy bien. Bronson muy metido en lo suyo. Pocas palabras y una expresión petrea que serían marca de la casa en otras colaboraciones con Winner como la de la serie "Death Wish"). Palance, el veterano James Whitmore o Simon Oakland están perfectos en sus respectivos papeles.

Una película muy entretenida y bien filmada que se situa en esa corriente de cine reivindicativo en el que los cowboys blancos son presentados como hombre viles y nada heróicos vistos en pelis como "Soldado azul" o "Pequeño gran hombre", además de sumarle la visión plástica de sangre y sudor del western europeo.

CAIDA Y AUGE DE REGINALD PERRIN

Es curioso retomar este blog con una serie de televisión, pero bueno, la ocasión lo merece. Vi algunos capítulos hace muchísimos años, yo era muy joven y me impresionó. No puedo asegurar que entendiera mucho lo que aquel sujeto, el señor Perrin, hacia... Se comportaba de una forma extraña, abandonaba su trabajo y a su familia, fingía su propia muerte, cambiaba de personalidad, volvía con su familia, creaba una empresa llamada basura en la que vendía cosas inútiles y se hacia rico... Nunca supe el título de la serie. Paso el tiempo y lo curioso es que de vez en cuando me aparecian fugaces imágenes mentales del señor Perrin y su negocio "Basura". Lo más curioso de todo es que hace aproximadamente un año empece a acordarme con más frecuencia de la serie. Deducí que por el tipo de imagen, el vestuario y las casas tenía que ser británica, pero por mas que busqué en internet no conseguí dar con el título. Poco a poco fui recordando algún detalle más pero insufientes para conseguir el título, de hecho ni siquiera conocía el nombre de los actores y su imagen quedaba ya muy borrosa. Lo más curioso de todo es que hace unos pocos dias me propuse que trataría por todos los medios posibles el conseguir el título de aquella vieja serie y es cuando dos o tres días despues ocurrió algo curiosísimo. Fui a una biblioteca pública que frecuento a menudo y que disponen de una buena videoteca que van actualizando poco a poco. Buscando en la estantería de comedia de pronto vi un título en tres DVDs que me llamó la atención: "Caida y auge de Reginald Perrin". Era una serie antigua de la BBC, di la vuelta al DVD nº 2 y me fije en el nombre de uno de los capítulos, ponía "Basura". Me quede perplejo, no podía creerlo, tenía entre mis manos las tres temporadas de aquella seríe que me había estado rondando por la cabeza casi 20 años. Por supuesto me lleve los DVD y en cuatro días ya había visto los 21 capítulos que configuran este memorable episodio de la televisión británica... y mundial.

Es un trabajo magnífico que demuestra que la televisión puede ser un formato de posibilidades infinitas. "Caida y auge de Reginald Perrin" tiene como virtud principal ser un producto sin igual, sin continuidad, un extraño artefacto no identificado en el medio audiovisual. El guión es excelente, pone en tela de juicio a nustra sociedad, pero no desde un punto de vista marginal o periférico, sino a través de un sujeto que es el vivo retrato de un hombre de mediana edad con una economía solvente. Este hombre el señor Perrin tiene familia, es directivo de una empresa de postres, tiene una buena casa, pero algo falla en su vida... la monotonía, la repetición de pautas, el ambiente de su empresa... nada parece tener sentido en la vida de Reggie Perrin y esto empieza a alterar su estado de ánimo, llevándolo a una especie de locura/liberación con la que romperá esta aparente tranquilidad. Simula un suicidio y adopta nuevas personalidades. Presencia su propio funeral y finalmente vuelve con su mujer transformado en otra persona. En la segunda temporada Perrin vuelve a ser él mismo, es despedido de la empresa de postres y monta un negocio de cosas inutiles llamado "Basura" que contra todo pronóstico se convierte en un éxito haciendo de Reggie un hombre muy rico. Finalmente cansado del negocio decide hundirlo ocntratando a todos los inútiles, incluido su antiguo jefe, que trabajaban en la empresa de postres. Su tactica no da el resultado previsto y el negocio continúa siendo un éxito. Al final él y su mujer deciden simular juntos un suicido y alejarse de todo. En la tercera temporada Reggie concentra todos sus esfuerzos y dinero en montar un centro en el que la gente pueda sentirse bien y encontrar la paz. Para ello vuelve a contratar a todo el personal de su antigua empresa, tienen unas semanas de formación y finalmente ponen en práctica lo aprendido con los clientes. Todo termina siendo un desastre y Perrin es contratado en una empresa regentada por el hermano de su anterior jefe, y este es de hecho su nuevo superior, volviéndose a ver atrapado en la misma situación que al principio, el suicido vuelve a convertirse en una opción...

Como decía el guión analiza de forma crítica y muy cínica toda aquello que en principio debería generar satisfacción en el hombre moderno y urbanita (familia, trabajo, posesiones, posición social, amigos...) y que en realidad solo consiguen neurotizarlo y alejarlo cada vez más de su propio Yo. Los estamentos sociales están muy bien representados, por ejemplo la familia como un entorno generador de incontables conflictos y asimilación de sujetos que a uno no tienen porque serle nada simpáticos (cuñados, yernos, suegras...) o el entorno laboral que puede ser un espacio jerarquizado en el que se realicen actividades inútiles y se tengan roces con compañeros cuyas actitudes puedan resultarte del todo incomprensibles. Lo interesante de Reggie es que es un tipo con el que podemos vernos representados inmediatamente. No es un loco y de hecho seguro que en más de un momento casi todos hemos pensado "al diablo con todo...", volver a comenzar, ser otro o simplemente no seguir las directrices que poco a poco van controlando nuestra vida.

"Caida y Auge de Reginald Perrin" se apoya por supuesto en un libreto de calidad, pero es imposible comentar la serie sin hacer referencia al soberbio trabajo de los actores, porque simplemente lo que hace su protagonista Leonard Rossiter es pura magia, un auténtico tour de force interpretativo ya que es el personaje central y está practicamente en el 100 % de las situaciones. Su trabajo físico y vocal es extraordinario y demuestra ser un actor de una capacidad expresiva descomunal (se hace absolutamente imprescindible verlo todo en versión original), junto a Rossiter los demás actores están también fantásticos especialmente Pauline Yates (su mujer) y John Barron, que hace de C.J. (su jefe). Las escenas con estos dos son simplemente increibles y recomiendo detenerse en ellas y verlas varias veces para descubrir la infinidad de matices que estos increibles actores podían desplegar (tanto cuando dialogan como cuando escuchan).

La serie fue un gran éxito en su momento, alcanzando en Inglaterra enormes audiencias y no es para menos, los guiones de David Nobbs están cargados de verdades como puños y su humor es inteligente e impertinente. Doy fe de que a día de hoy "Caida y auge de Reginald Perrin" no solo no es un producto pasado de moda, sino que además resulta de lo más perturbador y diferente. Una gozada que recomiendo fervorosamente.

LA LUZ DEL FIN DEL MUNDO (Ligth at the edge of the world) 1971

Basada en la novela de Julio Verne "Le phare du bout du monde" es una típica coproducción de principios de los 70 en la que se mezclan nombres de diversas nacionalidades, entre ellos muchos españoles ya que el rodaje tuvo lugar en exteriores patrios como Cadaqués o el Cabo de Creus. Producian Alexandre Salkind y Alfredo Matas, dirigía Kevin Billington y como grandes nombres de cartel Kirk Douglas y Yul Brynner acompañados de Samantha Eggar, Fernando Rey (que solo salía un poquito al principio ya que lo matan enseguida) y el italiano Renato Salvatori.

Es una película muy irregular, aunque con segmentos muy interesantes, especialmente los primeros 50 minutos. El guión nos traslada al Cabo de Hornos en 1865, en un islote trabajan tres personas en el faro. Cada uno está allí por sus circunstancias personales, que no son muy buenas. Un viejo marino (Fernando Rey), un joven y Will Denton (Kirk Douglas). Los tres con un pasado a sus espaldas les hace perfectos para estar perdidos en el fin del mundo. La introducción presenta a los personajes y explora el paisaje por donde nos vamos a mover durante el resto del metraje. Salir a cazar es la excusa perfecta para alejar al joven y a Will del faro. Contemplamos las duras condiciones geográficas donde han de vivir, cazar y pasar el tiempo. Durante esta salida aparece un barco. Son piratas comandados por el feroz Konge (Yul Brynner), quien mata sin piedad a los compañeros de Will, su intención es apoderarse del faro para hacer naufragar a los barcos y apoderarse del botín. Localizan a Will y así se inicia el juego del gato y el ratón, en el que van apareciendo nuevos participantes tras el naufragio del barco propiciado por los piratas.

Durante esos primeros 50 minutos estamos ante un claro exponente de survival. Will Denton es perseguido implacablemente por todo el islote, teniendo que ingeniarselas para escapar de sus sanguinarios enemigos. Lo mejor del filme es su aspecto áspero y tenebroso. El peligro se siente en cada plano. Will no puede huir, su única salida posible es engañar, diezmar y retrasar el ser capturado. Ellos son muchos y él está solo. Konge es una especie de registro primigenio del malvado Conde Zaroff y su más peligroso juego del mundo.

Las deficiencias de la película se notan con fuerza a partir de la mitad. Resulta inverosimil la actitud de los piratas que son muy numerosos respecto a Will. Este parece campar a sus anchas y los violentos piratas no se deciden de una forma seria a tratar de atraparlo de una vez por todas y la película parece agotar sus premisas iniciales en un tercio final más convencional. Aunque hay apuntes sexuales interesantes como la extraña y fantasmagórica relación que la única superviviente femenina del barco siniestrado adopta en relación al duo Konge y Will. Especialmente salvaje es la feroz reacción de Will ante el descubrimiento de la verdad sobre ella.

Estamos ante un producto claramente condicionado por sus características de producción, pero que resulta en su conjunto atractivo.

"LA MUCHACHA DE LA QUINTA AVENIDA" (5th Avenue girl) 1939

Una excelente muestra del talento cinematográfiallco de aquellos cineastas que hicieron su trabajo en la era de los grandes estudios. Una producción RKO en la que podemos leer en sus títulos de crédito nombres tan sólidos como el de Pandro S. Berman en la producción, Darrel Silvera en el diseño de decorados o nombres de la casa como el de Robert Wise en el montaje o Tim Holt en la interpretación, ambos repetían en otra producción RKO, "The magnificent Ambersons" de Orson Welles. Hay más nombres importantes, el guionista Allan Scott cuya filmografía impresiona con títulos como "Sombrero de Copa" (Top Hat) o "Imitación a la vida" (Imitation of Life), la fotografía de Robert de Grasse quien hizo otras maravillas en RKO como "El Ladrón de Cadáveres" (Body Snatchers) y por supuesto su director el elegantísimo y muy olvidado Gregory La Cava.

"La Muchacha de la Quinta Avenida" no es una gran película, pero si un buen trabajo realizado en serio y con ese oficio y artesania de aquellos años constituyendo un elaborado filme que mantiene hoy en día, muchas de sus cualidades.

Un empresario de bombas de riego, el señor Borden (genialmente interpretado por Walter Connolly) en el día de su cumpleaños se va al parque a pasar la tarde tras ver que su familia ni siquiera se ha acordado de la fecha. Está cansado de dirigir una empresa que ya solo le da quebraderos de cabeza y de una mujer que ya no le quiere y unos hijos que no le hacen ningún caso.

En el parque conoce a una curiosa y hermosa mujer, Mary Gray (personaje interpretado por Ginger Rogers de una forma extraña y a la vez fascinante). No tiene donde ir y su carácter es un tanto agrio y ácido. El Señor Borden enseguida se fija en ella, conversan y él decide invitarla a cenar y pasar su cumpleaños con ella. En el local el señor Borden se encuentra con su mujer, que esta a su vez con un amigo/amante. Se emborrachan y arman un escándalo que saldrá en los periodicos al día siguiente. Mary Gray pasa la noche en casa del Señor Borden. Este no se acuerda de nada de la noche anterior pero al observar la reacción de desaprobación de su mujer dedide contratar a Mary para hacer creer al resto de su familia que tiene una aventura con ella y que salen a divertirse todas las noches. En realidad a ninguno de los dos les gusta salir a "divertirse" y en realidad dan paseo con el coche hasta que es madrugada y pueden volver a casa. El señor Borden tambien se despreocupa de su fábrica y es su hijo quien tiene que hacerse cargo de su puesto. Al principio todos ven en Mary a una cazafortunas pero poco a poco se van acercando a ella.

Todo esta narrado con gran exquisitez y el guión tiene varios niveles de lectura, la depresión, la familia, el dinero o la falta de el y algunos políticos aunque muy inocentes expresados por el chofer del señor Borden que arenga al resto del servicio con ideales comunistas. La cámara de La Cava convierte a la mansión de los Borden en un personaje más, es impresionante el uso estético que hace de unas grandes y elegantes escaleras centrales que son recorridas por los personajes y mostradas por la cámara en todo tipo de travellings (laterales, frontales...) El guión no se inclina hacia la comedia en su totalidad y a esto ocntribuye especialmente el personaje de Mary Gray una mujer de la que no conociendo cuales han sido sus circunstancias entendemos que estas no han sido buenas. Parece una persona "quemada" y con un sentido del humor agrio y que como ya he mencionado anteriormente Ginger Rogers interpreta como si nada le importarse, su presencia física parece no amoldarse a ningún espacio y su cuerpo da la sensación de estar separado de los demás personajes a traves de una especie de barrera invisible.

La película está muy bien y resulta una pieza de lo más curiosa a pesar de que en su parte final se resuelva de una forma un tanto convencional consiguiendo todos los personajes sus objetivos y dándole al espectador el típico happy ending.

LA JUNGLA 2: ALERTA ROJA (Die Hard 2) 1990

Recuerdo bastante bien cuando vi esta peli en el cine. Era en Navidades y había leído muchas cosas sobre ella. En su momento fue la película más cara de la historia. Su productor Joel Silver no reparó en gastos para convertir al film en un gran espectáculo que hiciera buena caja. A mi me gustó mucho la primera entrega, de hecho en aquel momento la tenía muy reciente porque la había vuelto a ver hacía muy poco en un reestreno. El caso es que deseaba ver aquella película y al final no me gustó mucho. Me decepcionó bastante. La volví a ver por la tele hace unos ocho años y me pareció mucho peor, muy aburrida. Con los años mi percepción del cine se ha ido haciendo bastante más flexible, antes ponía muchos reparos a gran cantidad de títulos y me dejaba influenciar por los críticos en exceso, ahora puedo disfrutar de cualquier subproducto o mediocridad sin miedo a justificarme y con esos nuevos ojos he vuelto a ver "La Jungla 2". La pusieron por la tele el día de Navidad, la grabé y la he vuelto a ver.

Me ha parecido más interesante, aunque creo que no funciona bien. Me parece importante indicar que la segunda parte es el capítulo que mejor se acopla a la película fundacional, tanto en lo visual como en lo argumental. Es una perfecta segunda parte ya que conserva a buena parte del equipo interpretativo de "La Jungla de Cristal" y también del equipo técnico, aunque John McTiernan fuera sustituido por ese hábil realizador que es Renny Harlin y el director de fotografía Jan de Bont por Oliver Wood , quienes se esforzaron al máximo por continuar la labor que emprendieron sus predecesores. De hecho Harlin, que nunca ha demostrado ser un realizador muy personal, parece que estuvo decidido a respetar el trabajo de McTiernan a través de una planificación y uso del formato panorámico que estuviera en consonancia con la primera Jungla. El guión lo coescribe Steven E. de Souza, quien ya se encargó del libreto de la primera parte y se nota su mano en la continuidad de rasgos característicos de su personaje principal.

Me gusta de esta película que se mantiene el carácter cínico de su protagonista, que vuelvan a aparecer parte de los personajes del anterior título aunque sea del todo inverosimil que su mujer y el periodista estén en el avión o el policía que encarna Dennis Franz. Practicamente todo el metraje de lo que podría ser más o menos la primera media hora es excelente. Presentación de personajes, toda la escena en la que McClane intuye por primera vez que algo va mal y sigue a dos posibles sospechosos desde el bar hasta el interior de la sala de las maletas. Es sin duda una película en la que son mucho más interesantes los momentos de suspense o de intento de resolución de conflictos como la escena en la que MaClane trata de impedir que un avión se estrelle mediante un par de antorchas.


Las escenas de acción sin embargo son muy poco vistosas, Básicamente un par de rutinarios tiroteos y algunas peleas como la del ala del avión parecen resueltas con pocas ganas. El tema del villano es también uno de los grandes problemas de la película, escindido en tres personajes resulta muy poco interesante, ya que ninguno tiene la entidad del villano que Alan Rickman encarnara admirablemente en la primera parte. Además el tema de los militarotes funciona bastante mal y resulta poco interesante.

La Jungla 2 tiene momentos algo aburridos, pero vista ahora tiene cierto encanto en su construcción física y falta de tecnología digital, todo parece realizado a través de maquetas y trucajes delante de cámara. Vista hoy tiene un look completamente diferente al de la cuarta entrega por ejemplo y que por cierto me pareció no solo bastante tonta sino que al igual que la tercera entrega podría haberse llamado de cualquier otra manera, sin necesidad de que apareciera McClane y hubieran sido dos pelis cualquiera de acción.

Es una película que se puede disfrutar si no se le pide nada más de lo que puede dar y que se emparenta con otras secuelas tan torponas como "Arma Letal 2" por ejemplo, en su concepto de repetir el modelo anterior pero con mucha mayor caradura por parte de todos sus participantes.

LAZOS CONYUGALES (Married and in love) 1940

Una sorpresa esta peliculita americana de comienzos de la década de los cuarenta. Nunca había oído hablar de ella y la he disfrutado con gusto.

Es una modesta producción de la RKO, de sesenta minutos de duración. La trama se desenvuelve en unos pocos escenarios y todo esta sostenido por un estupendo cuarteto de actores no muy conocidos en la actualidad. Está dirigida por John Farrow que se muestra aquí como un competente realizador sin ningún interés en destacar como tal. Rodada en amplios planos tanto de espacio como de tiempo, se deja a los actores que ocupen el protagonismo total de la historia.

Como reza el título original asistimos a una historia de amor y matrimonios. El comienzo es simplemente magnífico. Un hombre, Leslie Hates interpretado por Alan Marshal se encuentra frente al escaparate de una librería, está observando la reacción de la gente, ya que el libro que se promociona en el escaparate lo ha escrito él, tiene en sus manos una bolsa de cacahuetes y continua su paseo. Una mujer, Doris Wilding interpretada por Helen Vinson, lo ha visto y decide seguirlo, no sin antes decirle a su chofer que va a continuar andando. De esta manera tan precisa ya conocemos que el es el autor de un libro y que ella es una mujer de alta posición. Él llega a un parque y se sienta en un banco, la mujer se detiene delante de él. Se conocen, en un principio parecen antiguos amigos, la conversación a medida que avanza delata que hubo algo más entre ellos. En esta larga secuencia debo resaltar que los diálogos son magníficos y que la naturalidad de los interpretes (Alan Marshall y Helen Vinson) es extraordinaria. Lo interesante de la escena es que al espectador se le ofrece un cuadro nostálgico y romántico de viejos amores no extinguidos, entre los dos personajes parece desprenderse de sus frases una complicidad de gran intensidad que se ve abruptamente interrumpida por la esposa del escritor con la que este había quedado en el parque. Todos son muy educados y los dos viejos amigos se comportan de manera más fría delante de Helen, la esposa, interpretada por Barbara Read. Más tarde nos enteraremos de que ambos fueron amantes durante la universidad y que pospusieron su relación a un viaje de un año que el futuro escritor quería realizar por europa. El viaje se extendió a dos años y cuando volvió se encontró que Doris se había cansado de esperar y se había prometido a otro hombre. El se lo tomó a mal, conoció a una buena mujer , Helen, Doris volvió a aparecer con la intención de fugarse con Leslie y este finalmente se quedo con Helen. Pasados los años y tras el encuentro en el parque, Doris invita a la pareja a cenar en su casa. El marido de Doris sabe que esta sigue enamorada de Leslie. La trama explora ante todo el dubitativo corazón de Leslie que se ve en la encrucijada de dejarse llevar por su pasión hacia Doris (una mujer culta, inteligente, sofisticada y acaudalada) o por la lealtad y en definitiva amor verdadero hacia su esposa, que es sin duda una muy buena persona y que además esta loca de amor por Leslie.

Los personajes son cuidadosamente presentados y sus intervenciones muy acertadamente distribuidas. Digámoslo así, todos ellos tienen algún "solo", su momento de gloria en el filme que los hace avanzar enormemente para no convertirse en meros comparsas de lo que en principio parece ser la trama principal (el amor entre Leslie y Doris). El marido de Doris cuando los descubre a los dos en la casa secreta donde ella va a escribir, saca unas conclusiones lógicas, aunque equivocadas, ya que Leslie ha ido con la firme idea de que este amor ya está acabado. Pero el discurso de Patrick Knowles es magnífico y su presencia cobra gran fuerza ya que está decidido a contárselo a la esposa del escritor. Esta también cobra gran importancia en el tramo final, en una secuencia en la que ya todos los personajes juntos, con las cartas boca arriba se sienten tristes y desdichados por lo acontecido, Helen con un gran esfuerzo reconduce la situación tratando de unir y fortificar los lazos entre las dos parejas en vez de destruir y separar.

Los actores están magníficos y la realización de Farrow está al servicio del guión, no pemitiéndose ningún alarde visual. La corrección y la elegancia narrativa se dan la mano. Sencillamente, en 60 minutos no se puede contar más y mejor.

Como curiosidad, John Farrow estuvo casado con Maureen O´Sullivan y Mia Farrow es su hija.

JUBAL (1956)

Un western bien realizado y mejor contado. Delmer Daves fue un excelente director. Un realizador todoterreno que trabajó en todo tipo de géneros, entre ellos el western, donde dejó su huella en un puñado de clásicos de la talla de “El arbol del ahorcado”, “La ley del Talión”, “Cowboy”, “El tren de las 3:10” o “Jubal” Todos ellos exponentes de un cine con una narrativa perfecta y limpia. De gran elegancia visual y de una sabiduría a la hora de ofrecer dramatismo y entretenimiento a partes iguales.

Jubal es claramente un western situado en ese cine de finales de los 50 y principios de los 60, de lo que se ha llamado western psicológico. En ellos los héroes no son perfectos. Pueden tener un pasado violento o llevar consigo unas carencias que de alguna manera han condicionado su vida. Así es el personaje de Jubal Troop , que Delmer Daves y Russell S. Hughes basándose en la novela de Paul Wellman, nos presentan, un hombre sin hogar, ni raices. Falto de afecto familiar. Su presentación es una especie de renacimiento. Tras perderse en las montañas, casi al borde de la muerte por inanición y congelación es encontrado por Shep Horgan (Ernest Borgnine) un prospero ganadero. Resulta ser un buen hombre y enseguida coge afecto a Jubal (Glen Ford), dándole un hogar y trabajo. El guión a partir de aquí nos presenta tres conflictos:

1- Uno de los trabajadores, Pinky, interpretado por Rod Steiger se siente desde el primer momento amenazado por la presencia de Jubal.

2- La esposa del ganadero, a quien la sola presencia de su marido la pone enferma, se siente atraida hacia Jubal. Además ella ya había tenido relaciones con Pinky.

3- Una comunidad religiosa detiene sus caravanas en tierras del ganadero. Jubal les permite quedarse uno días, pese a la oposición de Pinky. Entre la gente de la comunidad está Naomi (Felicia Farr) de la que Jubal se enamora, aunque ella tiene un prometido impuesto por sus padres. De esta manera se trenza lo que será un dramático despliegue de acontecimientos.

Jubal no solo encuentra un lugar donde reposar, sino además una especie de figura paterna en el ganadero. Es tal el respeto y confianza de este hacia Jubal que lo nombra capataz. Por ello Pinky se la tiene jurada .

El guión juega muy bien con los contrastes. La luz y la oscuridad. Pero sin cargar las tintas. Esta dualidad también se manifiesta en lo sexual. A los cineastas americanos se les daba muy bien plasmar el conflicto masculino ante la mujer sexualmente activa y la mujer virgen y pura. Vincente Minelli exploró magníficamente esto en su obra maestra “Como un torrente”. En ambas la primer muere y el protagonista se queda finalmente con la segunda. Toda una lección sociológica sobre la percepción masculina hacia la mujer. Por lo menos en aquellos años.

Al margen de las intelectualizaciones sobre la violencia, la familia o la sexualidad, “Jubal” es cine de género y por tanto una película para pasarlo muy bien. Hay tiroteos, peleas, persecuciones y los personajes se comportan como es de esperar en un western. La realización es excelente y Daves se mueve en el género como un maestro. Por poner un ejemplo la secuencia en el bar, cuando el ganadero, tras ser engañado, va en busca de Jubal con la idea de matarlo es presentada por su autor con un magistral movimiento de cámara en travelling que recorre el espacio del local hasta llegar a situarse detrás del Borgnine con el rifle en primer plano y de fondo el resto del bar. Un movimiento que sirve tanto para situar al espectador como para aumentar la tensión de la escena. Una de las más dramáticas de todo el film. Daves demuestra un fantástico dominio de la composición y la planificación pero siempre al servicio de la historia.

LA LISTA NEGRA (THE DEAD POOL) 1988

La quinta entrega de las aventuras de Harry Callahan fue muy mal recibida en su año de estreno. Críticas pésimas y un fracaso comercial que se sumaba a una temporada francamanete ratonera por la que atrevesaba el cineasta Clint Eastwood. El público de los 80 no se sentía muy interesado en el cine de Eastwood ("El Cadillac Rosa", "Cazador Blanco, Corazón Negro, "Firefox"... quizá "El Principiante" tuvo algo más de fortuna comercial...) y no fue hasta "Sin Perdón" que recuperó de golpe su prestigio como realizador y actor capaz de atraer la atención de público y crítica.

"La Lista Negra" es una película desvergonzadamente divertida. En general todo lo que sucede es bastante absurdo y como queda comprimido en apenas noventa minutos de metraje, pues no aburre. Pero eso si, cualquier parecido con la película fundacional es pura coincidencia...

En el guión hay un poco de todo: matanzas de mafiosos, un jefe de policía chillón, los medios de comunicación que van a por carnaza, un director de cine y un psicópata al que no veremos la cara hasta el final. Lo de no dar información del asesino es para que pensemos que el malo puede ser cualquiera, pero al final como el psicópata resulta que es un loco del que no teníamos ni idea de quien era hasta que aparece en los últimos minutos... pues como que te da igual que sea ese u otro.

Se puede decir que el guión es bastante pésimo, basicamente son una serie de situaciones en las que Harry Callahan siempre tiene algún comentario chungo que soltar a alguien de los que le rodean y la trama va avanzando un poco a trompicones: Eastood le pone mala cara a alguien, una persecución por aquí, un tiroteo por allá. el malo de espaldas... También hay un poco de "buddy movie", ya que a Callahan le colocan a un compañero oriental, esto da pie a algun que otro chiste, a una pelea con técnicas karatekas y a poco más, porque el personaje aparece más bien poco...

Hay alguna pequeña pincelada que incrementa el interés, como es el papel de los medios, que solo se preocupan del sensacionalismo y de obtener las noticias al precio que sea.. Bueno es que el tema de la peli va por ahí. Callahan se hace famoso por meter en chirona a un importante mafioso y paralelamente hay unos gilis del mundo del cine que se han inventado un juego: hacer una lista con famosoos que ellos piensan que van a morir pronto. De la existencia de este juego se entera un psicópata, que decide acabar con los nombres de la lista de marras, entre los que se incluye el nombre de Harry.

Ya digo que como lo del psicópata importa poco, pues tenemos la relación de Harry con una periodista y alguna persecución surrealista pero muy divertida como la que tiene lugar cuando el loco intenta acabar con Harry utilizando un coche de juguete teledirigido.

Buddy Van Horn dirige la película y hace lo que puede. Tiene un cierto pulso setentero, pero ciertamente el argumento no permite mucho más. Van Horn ha sido colega de la Malpaso durante muchos años, haciendo de especilaista, director de segunda unidad, actor y mil tareas más en películas de dirigidas o protagonizdas por Eastwood.

Como ocuriosidad resalto que en la peli aparecen una serie de actores de lo más curiosos, desde Jin Carrey en un cortísimo papelito (le matan nada mas comenzar), pasando por Lean Neeson que está muy bien y la gran Patricia Clarkson a quie sin duda la madurez le ha sentado exquisitamente.

¡SANGUINARIO! (HALLOWEEN II) (1981)

Pienso que la única forma de disfrutar plenamente de Halloween II es verla como parte indivisible de la película fundacional de John Carpenter "La Nohe de Halloween" ya que el increible esquematismo de los personajes los convierte en meras marionetas ante la presencia extrahumana de Michael Myers. La presentación de los personajes principales como los de Laurie y el doctor Loomis y los detalles malévolos de Myers se relatan en la primera película, siendo este Halloween II la continuación de los acontecimientos ofrecidos en la película de Carpenter. De hecho la segunda parte comienza exactamente en el punto donde termino la primera. Y aunque haya habido muchas secuelas y remakes, este díptico forma por si mismo una aventura completamente cerrada.

Me resultan interesántisimos algunas cosas que a mi juicio se resuelven con gran eficacia. Por un lado es un logro conseguir una atmósfera muy similar a la de "La Noche de Halloween". No solo porque aparezcan los personajes representados por los mismos actores, sino por mantener una fotografía (repitió Dean Cundey en las labores) y ambientación en consonancia con el anterior título. Y es que aunque Carpenter no se ocupó de la dirección, si que mantuvó una fuerte presencia en el film, del que se ocupó tanto de labores de producción, como del guión junto a Debra Hill. Dejando en manos de Rick Rosenthal la labor de realización. Hay que admirar la labor de este hombre que supo subordinar cuaquier idea personalista para amoldarse a un universo con sus leyes ya establecidas. Rosenthal se nos presenta en esta película como un artesano incapaz de hacer remontar los momentos más débiles del guión como son la presentación de los nuevos personajes y la situación prévia a las secuencias terroríficas en las que hace acto de presencia Myers. Pero que sabe crecerseprecisamente en la set pieces como son las dos extraordinarias persecuciones a las que el psicópata, ya claramente una presencia sobrenatural, somete a la pobre Laurie, de nuevo interpretada por Jamie Lee Curtis. Dos secuencias sensacionalmente planificadas que consiguen algunos momentos de tensión sobrecogedora.También me gusta mucho tanto el principio como el final. Por un lado el comienzo es rotundo y perturbador. El monstruo está vivo y su presencia ya es una realidad en todo el pueblo de Haddonfield. Puede aparecer en cualquier casa y el caos es generalizado. Hay cierta idea catastrófica en estas primeras imágenes. Por otro lado me gusta mucho el final que es de verdad un punto final a la historia, y que aún conociendo que se traían entre manos la posibilidad de hacer más secuelas, se arriesgaron a clausurar la historia esas turbulentas imágenes de Myers ardiendo en el fuego montado en paralelo con un primer plano del rostro de Laurie en quien podemos vislumbrar que el mundo que conocía se ha perdido para siempre y que el horror ha anidado en su alma para no irse jamás.

Algunos de los datos que nos ofrecen son interesantes como la clave de parentesco entre Myers y laurie, lo que otorga una mayor densidad a las acciones de Myers y en la persecución sin concesiones a la que somete a Laurie, que de otro modo hubiese resultado poco interesante.

Pensaba que no sería una buena película, pero me ha parecido un buen trabajo con momentos excelentes... Y bueno lo del título en España.... simplemente no tiene nombre.

TIRO MORTAL (Dead-Bang) 1989

Vi esta película hace ya alrededor de unos 18 años. El cine donde la vi ya ha cerrado sus puertas. En su momento no me gustó. Esperaba una peli de acción a lo "Arma Letal" y claro no era eso. En aquellos años ni siquiera sabía quien era su director, John Frankenheimer.

El caso es que paso el tiempo. Descubrí las películas de Frankenheimer y que era un excelente director. Uno de esos realizadores de la generación de la televisión como Sidney lumet o Arthur Penn. A caballo entre dos mundos, el de los realizadores clásicos y el Nuevo Hollywood, ha comprometido a todos estos estupendos realizadores a un cierto ostracismo y desconocimiento popular, y eso a pesar de que realizaron algunas películas muy, muy conocidas. El mismo Frankenheimer realizó títulos de gran calado socia como "El Mensajero del Miedo", "Siete Días de mayo" o "El Tren", todas ellas películas que continuan manteniéndose muy bien.

Volviendo a ver "Tiro Mortal" he descubierto una película que es toda una curiosidad entre la producción de la época, pero antes de continuar si quiero dejar claro que curiosidad no implica que estemos ante una obra cumbre o excelente. La película de Frankenheimer es interesante, pero dista mucho de ser una obra perfecta.

Quizá la motivación de la productora estuviera en el film de Costa-Gavras "El Sendero de la Traición", aunque aquella jugara con elementos románticos y dramáticos, mientras que el guión de deriva hacía el terreno puramente policiaco con tintes conspirativos.

Un policia de Los Angeles en horas bajas (su mujer le ha abandonado por otro), interpretado con carisma por Don Johnson, se ve envuelto en una investigación de vários crímenes, entre ellos el de un policía. Las pesquisas le llevan fuera de su jurisdicción y a tener problemas con su capitán y con el FBI. Pero su testarudez le impide dejar el caso. Descubre que su sospechoso está en contacto con una comunidad de ultradrechistas representadas por una especie de pastor religioso. Estos traman una conspiración con grupos neonazis que aspiran a conseguir el poder blanco en norteamérica.

"Tiro Mortal" es un policiaco extraño, un tanto arrítmico, aunque haya alguna persecución y tiroteo. Y la dirección es sobria y contundente. Una mezcla entre el cine policiaco de los 80 como "Fx Efectos Mortales" o "Best Seller" y algunas reminiscencias del cine de los 70.

De la trama resaltaría lo perturbadora que resulta la comunidad neonazi y su cabecilla. Un hombrecillo en apariencia normal, pero que su actitud y sus palabras causan más terror que su presencia física. Tambíen me gusta que siguiendo la tradición de los buenos policiacos el protagonista está al margen de cualquier éxito social. Se limita a hacer su trabajo, incluso de forma un tanto obsesiva, cediendo el éxito de la resolución del caso a otros que en realidad no han hecho otra cosa que entorpecer su trabajo.

Hay que reconocer que el guión es un tanto convencional, pero que en este caso el sobrio pulso de Frankenheimer logra que la pelicula eleve su interés y la presencia de Don Jonhson es acertada. Actor cuya carrera cinematográfica ha sido bastante mediocre, pero de la que resaltaría tanto esta película como aquella que dirigió Dennis Hooper, "Labios Ardientes", un thriller muy menospreciado en el momento de su estreno, pero que está bastante bién.

LA VOZ DE SU AMO (2001)

De las películas que he visto de Emilio Martínez Lázaro, me gusta mucho “Amo tu cama rica”. “Carreteras Secundarias” me pareció flojita. Y las de los lados de la cama sencillamente un horror. “La Voz de su amo” trata de ser diferente. Ambiciona ser cine negro con trasfondo político. El resultado es irregular, aunque reconozco que la propuesta es ambiciosa dentro del cine español.

No tenía muy claro de que iba la película. Había oído que aparecía el tema de ETA. Pensé que sería un royo político, pero esto es sólo para despistar al personal porque la trama tira por otros caminos.

Estamos en Bilbao en 1980. Según reza el título inicial. Nos dice que es una época de violencia descarnada y corrupción. En la historia tenemos a empresarios con problemas, a una drogadicta, a un antiguo policía metido a guardaespaldas de un empresario portugués, a un poli corrupto, a la hija del empresario que se lía con el guardaespaldas...

Personajes suficientes para crear una trama oscura y misteriosa, un juego de apariencias en el que nada es lo que parece. Es en este punto donde la película falla con más contundencia, ya que se pone mucho empeño en tratar de sorprender al espectador con un inesperado final que de sentido a todo lo que hemos visto, en vez de tratar de profundizar más en los personajes y sus motivaciones, quedando algunos de ellos demasiado esquemáticos.

Se busca un final que sorprenda, pero el guionista y realizador fue demasiado ingenuo y es suficiente con ver el primer tercio del film como para imaginarte que es lo que está pasando realmente. Lo que resta inquietud al desarrollo de la trama.

Por otro lado me ha gustado la firmeza con la que Martínez-Lázaro ha rodado su película. Tiene muy presente a Hicthcock, ya desde los títulos de crédito cuyas imágenes y música recuerdan a Vértigo o la primera secuencia en la que el guardaespaldas persigue a una mujer desde su coche, como hiciera James Stewart con Kim Novak. Un recorrido sinuoso que prepara al espectador para una historia retorcida y llena de imprevistos.

El personaje protagonista es muy interesante y está muy bien interpretado por Eduard Fernández. Un personaje de literatura negra. Hermético, solitario, leal con sus principios, duro y experimentado. Un personaje con un pasado a sus espaldas y una determinación fuerte para hacer aquello que piensa es su deber, aunque sea muy peligroso. Es lo mejor de la película y donde su guionista puso toda la carne en el asador.

La película es interesante y sin duda se sale del tipo de producción española a la que estamos acostumbrados

LOS DEMONIOS DE LA NOCHE (THE GHOST AND THE DARKNESS) 1996

Esta es una película a la que el tiempo le ha sentado bien. Cuando se estrenó no obtuvo una gran acogida y de hecho tuvo críticas muy malas. Tanto Val Kilmer como el director de fotografía fueron nominados a los temibles premios Razzie. Sin duda la peli hubiera necesitado de otro equipo actoral y de direción con más nivel para elevar el producto final de la entretenida película de aventuras que es al denso y oscuro film que pudo ser.

Porque la verdad, Val Kilmer hace lo que puede con su papel... Puede que no este tan inexpresivo como Victor Mature en "Safari", pero casi.. y Michael Douglas como el cazador Charles Remington, esta más cómico que otra cosa, con esos pelos largos y desorbitando los ojos. Su personaje aparece ya muy avanzada la película, pero Douglas aprovecha rapidamente para hacer un show con el que atraer la atención del espectador sobre él.

Por su parte el director Stephen Hopkins siempre me ha parecido un realizador muy eficaz, capaz de sacar adelante guiones imposibles como el de "Depredador 2". Capaz de armar películas comerciales correctas, pero siempre quedándose en la superficie. No tengo más que recordar la tv-movie que hizo sobre la vida de Peter Sellers "Call Me Peter". En ella se dedica a dar vueltas sobre algunos pasajes de la vida del actor, pero siempre tienes la sensación de que solo se rasca la superficie.

Pero si, al comienzo he manifestado que a "Los Demonios de la Noche" el tiempo le ha sentado bien y además le ha ayudado que no se hayan realizado muchas plículas de estas características en los últimos 12 años. Una aventura con sabor clásico a lo minas del Rey Salomón cruzada con Tiburón. El guión es de William Goldman y lo que no se es si la fuerte presencia de la película de Spielberg se debe más al guionista o al director.

Estamos en Kenia, en 1898, en la región de Tsavo. Allí es enviado el ingeniero Patterson a hacerse cargo de la cosntrucción de un puente que dara paso al ferrocarril construido por los británicos. Dos sanguinarios leones comienzan a hacer estragos entre los obreros, quienes piensan que son presencias del mal. Patterson con la ayuda del cazador Remington tratan de dar caza a estos animales a quienes los africanos han bautizado como El Fantasma y La Oscuridad, que es el título original de la película.

Lo de Tiburón viene a cuento porque se utilizan varios elementos de la película de Spielberg: ocultar al espectador el cuerpo completo de los leones en los primeros ataques. Se desata el pánico entre los obreros. La relación que se establece entre los personajes de Kilmer y Douglas es parecida a la que tenían los personaje de Tiburón.

"Los Demonios de La Noche" es un buen pasatiempo. hay aventura y exotismo combinado con elementos sobrenaturales y de terror. Los leones son concebidos como presencias fantasmales e infernales, capaces de sembrar el pánico y el desconcierto entre los humanos. Pero también tiene ciertos elementos que completan la trama del film como son el contraste entre las gentes del contiente africano y el europeo, aunque no se entra demasiado en el terreno de lo político: colono y colonizado. Quizá por miedo a que los personajes principales no caigan tan simpáticos al espectador.

Una de las ideas más bonitas que nos deja la película es la dificultad de conseguir una civilización limpia e inmaculada. El ser humano se empeña por salir de la caverna. Cuida sus modales, se viste, crea normas para comportarse en su trato con los demás, inventa tecnología. Pero la naturaleza se empeña de forma tozuda en sacar ese rasgo primitivo que el hombre trata de tapar con todas sus fuerzas. La sangre, la violencia, las pulsiones más escondidas salen a relucir... parecen querer decirnos que no basta con maquillarlas, que siempre estarán ahí, esperándonos... en forma de leones o de otras cosas...

La película tiene algunas secuencias muy bien rodadas como la final con la niebla o casi todas las apariciones de los leones, de las cuales no se abusan. Son tan intensas tanto en las que intuimos a los leones como en las que se les ve de cuerpo entero o parcialmente... y quitando a kilmer y Douglas el resto del reparto está muy bien.

Y la banda sonora es de Jerry Goldsmith, quien hace un trabajo nada rimbombate y si muy ceñido a las imágenes.

El guión de Goldman está basado en un hecho real, aunque el guionista se ha tomado numerosas licencias a la hora de escribir el texto. Parece ser que Patterson se ocupó el sólo de los Leones y que le costó cazrlos alrededor de nueve meses.

TAKESHI´S (2005)

En la entrevista a Kintano que aparece en el DVD, comenta que esta película es algo así como una especie de resumen de sus inquietudes como artista, de sus sueños y de alguna manera de su trabajo como hombre de cine. Una especie de recopilación e interpretación de ideas y conceptos vistos en sus trabajos anteriores: la vilencia, las mafias, la policía, los sueños, el mar, el amor...

Kitano indica algo así como que con esta película cierra un capítulo, una fase como autor cinematográfico que necesariamente le obliga a abrir una nueva. En ese sentido Kitano ya ha rodado otra película metacinematográfica titulada “Glory to the Filmmaker!” en la que vuelve a encarnarse a si mismo desdoblado en dos: un director y un actor.

En lo referente a “Takeshi´s” me ha parecido una película francamente extraña y no me siento muy capacitado como para describir el argumento. De este solo se me ocurre la idea de que hay dos Kitanos. Uno es un actor célebre, bastante borde y con mal genio y el otro es un eterno aspirante a obtener un papel que le saque de la miseria. Ambos se llaman Kitano y por supuesto están interpretados por el mismo Takeshi Kitano.

A partir de este hilo argumental se despliegan una serie de tramas muy sugerentes, pero ya digo que complicado de describir. La película se instala cómodamente en un marco onírico y las secuencias se articulan a veces sin ningún tipo de unión narrativa convencional. Esto la hace especialmente hermética y compleja y posiblemente decepcionará a quien busque una narración lineal. incluso a espectadores que hayan disfrutado de otras películas del realizador como “El Verano de Kikujiro”.

Kitano trabaja con la idea de la dualidad. De una especie de Jeckyl y Hide. De lo que escondemos dentro, de las frustraciones y los sueños que arrastramos. Las secuencias son como sueños y la dualidad aparece de nuevo ya que algunas se repiten cambiando diálogos o alterando su resolución. Todo forma una especie de puzzle mental que va configurando unas sensaciones y una atmósfera irreal y fantasiosa.

Algunas secuencias son muy llamativas como la violenta batalla campal en plena playa o el tiroteo en la oscuridad de la noche, el baile de las orugas o el final tan necesariamente teatralizado en el estudio de televisión. Son retazos de cosas ya vistas en anteriores películas que aquí recobran vida de nuevo.

El film tiene elementos de comedia, pero siempre próximos al surrealismo y alejados del tipo de humor que puede cultivarse en España. Pero tampoco se la puede catalogar como una comedia...

A mi me ha gustado y estoy seguro de que un segundo pase me ayudará a sacarla más provecho. Pero todavía no. Dejarla reposar y recuperarla dentro de uno o dos años. Por supuesto comprendo que a alguien la peli le pueda parecer una auténtica tomadura de pelo y sentirse molesto con ella y también pienso que es necesario haber seguido un poco la carrera del autor para poder adentrarse en “Takeshi´s” con las herramientas oportunas.

EL CAMINO DE LOS INGLESES 2006

No me ha gustado esta película. Ambiciosa, poética... vacía... Banderas ha tratado de ser una especie de Wong Kar Wai a la española. Y no es algo que me parezca mal. De tratar de copiar, mejor a los buenos que a los malos, aunque también de estos últimos a veces se puedan aprender cosas... También hay mucho de la Sofia Coppola de "Las Virgenes Suicidas". Pero nada, todo se queda en influencias estéticas y el resultado es pésimo.

Y la verdad es que la pelicula de Antonio Banderas tiene una factura técnica excelente, nada habitual a las típicas películas españolas. Las imágenes son poderosas y el montaje trata de realzarlas. Hay momentos que se convierten en un autentico tour de force audiovisual como toda la larga secuencia final: una explosión videoclipera de contrastes cromáticos, sonidos e imágenes de gran expresividad. Pero todo al servicio de la nada, del vacio. Y es que la historia es muy poco interesante. Unos jóvenes que no saben lo que quieren, se divierten, sufren, se problematizan, hablan en susurros, son muy profundos, muy densos, tienen problemas con sus padres, con su situación existencial. La verdad es que todo esto me importó muy poco. Los personajes me cayeron mal. No logré entrar en su royo melancólico y penoso de la vida.

No me detengo en contar nada del argumento. Hay muchos personajes y una especie de narrador super filosófico que es quien se encarga de unir con su poesia verbal los trozos. todo ocurre durante un verano. El calor, las piscinas, los amigos, el hacerse mayor, el sexo, los padres... No hay una historia en si. Se trata de comunicar emociones y sensaciones sobre las vivencias de estos personajes.

Los actores de físico no estan mal. Muy guapitos, excepto los malos que tienen pinta de idiotas y de fachas. Lo malo es cuando hablan. No se les entiende y encima hablan en susurros. Esta nueva hornada de "fantásticos" actores jovenzuelos españoles con una pobrísima dicción hace casí imposible entender una de cada tres frases. Eso si, son super fashions, desgarbados, pinta pelín rebledes, muy guays...

Me quedo con "Locos en Alabama" no era una gran película. Más simple, pero más eficaz. Con todo no descarto que en futuro podamos ver un trabajo interesante de Banderas como director, porque no le niego en absoluto su esfuerzo en tratar de hacer la mejor película posible con su El Camino de los Ingleses.