UNA CHICA URGENTEMENTE (GIRL RUSH) 1944

Girl Rush es una típica producción de relleno de la época dorada de los estudios hollywoodienses. Un catálogo de escenas y situaciones tópicas, rodadas con habilidad por los técnicos y bien interpretadas por los actores. Entre los primeros, nombres importantes como el de Nicholas Musuraca como director de fotografía, Darrel Silvera y William Stevens en la dirección artística y un todoterreno en la dirección: Gordon Douglas. Los segundos tienen como protagonistas a la que fuera la respuesta de la productora RKO a la pareja de cómicos de la Universal: Abott y Costello, los mucho menos conocidos Wally Brown y Alan Carney. Juntos protagonizaron unas cuantas películas en los años cuarenta y ambos continuaron, ya separados, sus respectivas carreras apareciendo en multitud de películas, series y telefilmes en papeles secundarios. En 1961 volvieron a compartir brevemente el metraje de un film de Walt Disney: "Un sabio en las nubes". En "Girl Rush" también aparece un jovencísimo Robert Mitchum en un rol secundario, en el que le toca hacer de galán que se lleva a la chica.

El film es un pastiche que mezcla diversos géneros en clave paródica. Así tenemos el musical ya que los protagonistas son un par de fulleros que se dedican al espectáculo (cantan y bailan), el western en sus vertientes de los buscadores de oro, del cacique que aterroriza a una incipiente población y a la falta de mujeres en estas localidades de colonos.

El guión nos cuenta la historia de una pequeña compañia teatral formada principalmente por mujeres. La partida de la clientela a los territorios con oro hace que las mujeres tomen la decisión de que la pareja cómica formada por Miles y Strager vayan también a buscar oro para conseguir dinero y comprar los materiales necesarios para poder representar en Nueva York. Así que tras pasar penalidades y no obtener oro acaban en un pequeño pueblo, donde engañan a los mineros que les dan dinero para que lleven a las mujeres. Su idea es quedarse con el dinero y así poder viajar con la compañia a Nueva York, pero dos de los buscadores de oro les acompañan y al final se ven obligados a regresar con las chicas al pueblo.

El film es divertido y la pareja formada por Carney & Brown funciona bien. Algo así como un precedente de "Dos tontos muy tontos". Ninguno es muy listo, aunque si muy tahures, no tienen ningún reparo en timar a quien haga falta con tal de poder llenar la barriga o conseguir dinero. Las escenas que protagonizan son en general absurdas y algunas hasta surrealistas como la aparición de un oso y una mofeta que hablan. En el desarrollo de la película hay varias escenas de relleno como las que le tocan protagonizar a Robert Mitchum, quien hace de galán y que aparte de previsibles, ralentizan la acción. Mitchum hace lo que puede para dar un poco de entidad al personaje y hay que reconocer que ya apuntaba maneras de estrella. La parte final resulta muy jocosa, ya que han de disfrazarse todos de mujeres para engañar al mafiosillo del pueblo que está esperando para matarlos. Una pelea en el bar con todos vestidos de mujer pone el punto final de una forma que por un lado homenajea a las típicas peleas del western y que por otro parodia y desmitifica.

Su director Gordon Douglas, realiza la película con notable corrección, planificando siempre para dar relevancia a la interpretación de su duo protagonista y resultando en todo momento invisible. Douglas destacó como el perfecto trabajador, conocedor de su oficio, lo que le permitió realizar buenas, regulares y malas películas en todo tipo de géneros en una larga carrera de cuarenta años de trabajo.

CHATO, EL APACHE (CHATO´S LAND) 1972

Había vuelto a ver “Pelham 1,2,3” de nuevo, con la intención de escribir un pequeño comentario aprovechando el estreno del remake de Tony Scott y justo cuando empezaba a escribir las primeras líneas y merodeando al mismo tiempo por internet me encuentro con que el amigo Budokan en su blog “Otros clásicos” ya había colgado un texto sobre la película hace unos días. Como el artículo está muy bien y a mi no se me ocurre nada más que decir, pues simplemente os remito a su página para que lo leáis ("The taking of Pelham 1,2,3"). Así que sin nada que escribir se me ocurrió que podía ver alguna película realizada por aquellos años y que también estuviera firmada por algún realizador no muy afortunado pero que si hubiera realizado una buena película de género. Se me ocurrió que Michael Winner era un buen candidato y que su película “Chato el Apache” era un excelente film.

Es un western violento y extraño, aunque su argumento gire en torno a una pequeña anecdota. Chato, un indio mestizo, mata en defensa propia a un sheriff racista en un bar. Un grupo de hombres blancos de la zona se reunen para cazarlo y matarlo. Chato juega con ellos ya que los conduce al desierto, territorio donde vive con su mujer e hijos con la idea de desalentarlos en su persecución. Los blancos descubren a la mujer y la violan, logrando con ello que la ira de Chato se materialice en una venganza en la que no sobrevivirá ninguno de los cazadores.

El título original “Chato´s land” me parece mucho más acertado que el que se puso en España. Ya que esta tierra de la que habla es un elemento fundamental en el relato. Un territorio que se va a mostrar hostil y peligroso para los que se adentran en el. Winner y la dirección de fotografía de Robert Paynter juegan con este espacio que no da tregua mostrándolo seco, inhóspito, muerto... desde el punto de vista de los blancos y cambiante, flexible, vivo y hospitalario desde la posición de Chato, lo que por supuesto le da una gran ventaja.

El guión de Gerald Wilson es sencillo, pero enormemente hábil a a la hora de estructurar la narración y de mostrarnos a los personajes. Es muy interesante como nos presenta al gupo de hombres blancos dispuestos a abandonarse a su odio racial. A esta parte se la dedica un tiempo más que considerable y es importante porque vamos a conocer algunos datos sobre quienes constituyen este comité de linchamiento. Así vemos que uno de ellos, Jubal, era amigo del sheriff muerto, También descubrimos que el y sus hijos son una especie de bandoleros que se dedican a robar ganado. Otro es Quincey, un antiguo militar conferedado que se apunta al pelotón para comandarlo y revivir mejores tiempos. Un granjero recien llegado se apunta por pura presión social y otros por simple antipatía y odio de blanco a los indios, ya que en general todos sabían que el sheriff era un simple y torpe brabucón que se había buscado lo que se merecía. Este grupo sale fresco y compacto a por su presa a la que ya dan por cazada en pocas horas. En el transcurso del viaje los personajes, especialmente Quincey (estupendamente interpretado por Jack Palance), cuentan detalles sobre su vida. Quincey habla de su experiencia en la guerra y se muestra como un hombre resolutivo y experimentado. De Chato, sin embargo, el espectador sólo va a conocer aquello que ve, ya que no solo aparece durante breves minutos a lo largo de todo el metraje, sino que además su diálogo es mínimo. Sus acciones son las que nos dan la información: rápido con la pistola, dominador del terreno (el desierto), estratega, mantiene el control de la situación casí todo el tiempo. Aquí el guión juega una de sus mejores bazas, que es convertir al mestizo en una especie de brutal fantasma. Hay largos tramos sin la presencia física de Chato, sin embargo el espectador siempre tiene la sensación de que el personaje esta ahí, escondido, esperando... Así Chato pasa de ser una simple figuran que trata de sobrevivir a una especie de ser mítico, sobrehumano, una fuerza violenta e imparable de la naturaleza que castiga al hombre blanco por su soberbia y sus malas artes.

El film cuenta con una parte final magnífica y muy violenta, en la que tras la violación de la mujer, Chato va acabando uno por uno con todo el grupo. Pero antes de que esto ocurra el grupo de blancos ha perdido toda su solidez, apareciendo tensiones que acabaran enfrentándolos entre ellos mismos. Lo sorprendente para el espectador es que algunos de los que mueren a manos del propio hombre blanco son dos de los protagonistas, Quincey y Jubal, quedando para el final dos de los personajes que menor peso habían tenido en el relato. La venganza de Chato es terrible concluyendo la película con el último personaje corriendo sediento y cansado hacia una muerte segura en un territorio mortal. El plano aéreo de Chato dirigiendo al hombre hacia lo que será su tumba con el cañon de fondo es espeluznante.

Los actores están muy bien. Bronson muy metido en lo suyo. Pocas palabras y una expresión petrea que serían marca de la casa en otras colaboraciones con Winner como la de la serie "Death Wish"). Palance, el veterano James Whitmore o Simon Oakland están perfectos en sus respectivos papeles.

Una película muy entretenida y bien filmada que se situa en esa corriente de cine reivindicativo en el que los cowboys blancos son presentados como hombre viles y nada heróicos vistos en pelis como "Soldado azul" o "Pequeño gran hombre", además de sumarle la visión plástica de sangre y sudor del western europeo.

CAIDA Y AUGE DE REGINALD PERRIN

Es curioso retomar este blog con una serie de televisión, pero bueno, la ocasión lo merece. Vi algunos capítulos hace muchísimos años, yo era muy joven y me impresionó. No puedo asegurar que entendiera mucho lo que aquel sujeto, el señor Perrin, hacia... Se comportaba de una forma extraña, abandonaba su trabajo y a su familia, fingía su propia muerte, cambiaba de personalidad, volvía con su familia, creaba una empresa llamada basura en la que vendía cosas inútiles y se hacia rico... Nunca supe el título de la serie. Paso el tiempo y lo curioso es que de vez en cuando me aparecian fugaces imágenes mentales del señor Perrin y su negocio "Basura". Lo más curioso de todo es que hace aproximadamente un año empece a acordarme con más frecuencia de la serie. Deducí que por el tipo de imagen, el vestuario y las casas tenía que ser británica, pero por mas que busqué en internet no conseguí dar con el título. Poco a poco fui recordando algún detalle más pero insufientes para conseguir el título, de hecho ni siquiera conocía el nombre de los actores y su imagen quedaba ya muy borrosa. Lo más curioso de todo es que hace unos pocos dias me propuse que trataría por todos los medios posibles el conseguir el título de aquella vieja serie y es cuando dos o tres días despues ocurrió algo curiosísimo. Fui a una biblioteca pública que frecuento a menudo y que disponen de una buena videoteca que van actualizando poco a poco. Buscando en la estantería de comedia de pronto vi un título en tres DVDs que me llamó la atención: "Caida y auge de Reginald Perrin". Era una serie antigua de la BBC, di la vuelta al DVD nº 2 y me fije en el nombre de uno de los capítulos, ponía "Basura". Me quede perplejo, no podía creerlo, tenía entre mis manos las tres temporadas de aquella seríe que me había estado rondando por la cabeza casi 20 años. Por supuesto me lleve los DVD y en cuatro días ya había visto los 21 capítulos que configuran este memorable episodio de la televisión británica... y mundial.

Es un trabajo magnífico que demuestra que la televisión puede ser un formato de posibilidades infinitas. "Caida y auge de Reginald Perrin" tiene como virtud principal ser un producto sin igual, sin continuidad, un extraño artefacto no identificado en el medio audiovisual. El guión es excelente, pone en tela de juicio a nustra sociedad, pero no desde un punto de vista marginal o periférico, sino a través de un sujeto que es el vivo retrato de un hombre de mediana edad con una economía solvente. Este hombre el señor Perrin tiene familia, es directivo de una empresa de postres, tiene una buena casa, pero algo falla en su vida... la monotonía, la repetición de pautas, el ambiente de su empresa... nada parece tener sentido en la vida de Reggie Perrin y esto empieza a alterar su estado de ánimo, llevándolo a una especie de locura/liberación con la que romperá esta aparente tranquilidad. Simula un suicidio y adopta nuevas personalidades. Presencia su propio funeral y finalmente vuelve con su mujer transformado en otra persona. En la segunda temporada Perrin vuelve a ser él mismo, es despedido de la empresa de postres y monta un negocio de cosas inutiles llamado "Basura" que contra todo pronóstico se convierte en un éxito haciendo de Reggie un hombre muy rico. Finalmente cansado del negocio decide hundirlo ocntratando a todos los inútiles, incluido su antiguo jefe, que trabajaban en la empresa de postres. Su tactica no da el resultado previsto y el negocio continúa siendo un éxito. Al final él y su mujer deciden simular juntos un suicido y alejarse de todo. En la tercera temporada Reggie concentra todos sus esfuerzos y dinero en montar un centro en el que la gente pueda sentirse bien y encontrar la paz. Para ello vuelve a contratar a todo el personal de su antigua empresa, tienen unas semanas de formación y finalmente ponen en práctica lo aprendido con los clientes. Todo termina siendo un desastre y Perrin es contratado en una empresa regentada por el hermano de su anterior jefe, y este es de hecho su nuevo superior, volviéndose a ver atrapado en la misma situación que al principio, el suicido vuelve a convertirse en una opción...

Como decía el guión analiza de forma crítica y muy cínica toda aquello que en principio debería generar satisfacción en el hombre moderno y urbanita (familia, trabajo, posesiones, posición social, amigos...) y que en realidad solo consiguen neurotizarlo y alejarlo cada vez más de su propio Yo. Los estamentos sociales están muy bien representados, por ejemplo la familia como un entorno generador de incontables conflictos y asimilación de sujetos que a uno no tienen porque serle nada simpáticos (cuñados, yernos, suegras...) o el entorno laboral que puede ser un espacio jerarquizado en el que se realicen actividades inútiles y se tengan roces con compañeros cuyas actitudes puedan resultarte del todo incomprensibles. Lo interesante de Reggie es que es un tipo con el que podemos vernos representados inmediatamente. No es un loco y de hecho seguro que en más de un momento casi todos hemos pensado "al diablo con todo...", volver a comenzar, ser otro o simplemente no seguir las directrices que poco a poco van controlando nuestra vida.

"Caida y Auge de Reginald Perrin" se apoya por supuesto en un libreto de calidad, pero es imposible comentar la serie sin hacer referencia al soberbio trabajo de los actores, porque simplemente lo que hace su protagonista Leonard Rossiter es pura magia, un auténtico tour de force interpretativo ya que es el personaje central y está practicamente en el 100 % de las situaciones. Su trabajo físico y vocal es extraordinario y demuestra ser un actor de una capacidad expresiva descomunal (se hace absolutamente imprescindible verlo todo en versión original), junto a Rossiter los demás actores están también fantásticos especialmente Pauline Yates (su mujer) y John Barron, que hace de C.J. (su jefe). Las escenas con estos dos son simplemente increibles y recomiendo detenerse en ellas y verlas varias veces para descubrir la infinidad de matices que estos increibles actores podían desplegar (tanto cuando dialogan como cuando escuchan).

La serie fue un gran éxito en su momento, alcanzando en Inglaterra enormes audiencias y no es para menos, los guiones de David Nobbs están cargados de verdades como puños y su humor es inteligente e impertinente. Doy fe de que a día de hoy "Caida y auge de Reginald Perrin" no solo no es un producto pasado de moda, sino que además resulta de lo más perturbador y diferente. Una gozada que recomiendo fervorosamente.

LA LUZ DEL FIN DEL MUNDO (Ligth at the edge of the world) 1971

Basada en la novela de Julio Verne "Le phare du bout du monde" es una típica coproducción de principios de los 70 en la que se mezclan nombres de diversas nacionalidades, entre ellos muchos españoles ya que el rodaje tuvo lugar en exteriores patrios como Cadaqués o el Cabo de Creus. Producian Alexandre Salkind y Alfredo Matas, dirigía Kevin Billington y como grandes nombres de cartel Kirk Douglas y Yul Brynner acompañados de Samantha Eggar, Fernando Rey (que solo salía un poquito al principio ya que lo matan enseguida) y el italiano Renato Salvatori.

Es una película muy irregular, aunque con segmentos muy interesantes, especialmente los primeros 50 minutos. El guión nos traslada al Cabo de Hornos en 1865, en un islote trabajan tres personas en el faro. Cada uno está allí por sus circunstancias personales, que no son muy buenas. Un viejo marino (Fernando Rey), un joven y Will Denton (Kirk Douglas). Los tres con un pasado a sus espaldas les hace perfectos para estar perdidos en el fin del mundo. La introducción presenta a los personajes y explora el paisaje por donde nos vamos a mover durante el resto del metraje. Salir a cazar es la excusa perfecta para alejar al joven y a Will del faro. Contemplamos las duras condiciones geográficas donde han de vivir, cazar y pasar el tiempo. Durante esta salida aparece un barco. Son piratas comandados por el feroz Konge (Yul Brynner), quien mata sin piedad a los compañeros de Will, su intención es apoderarse del faro para hacer naufragar a los barcos y apoderarse del botín. Localizan a Will y así se inicia el juego del gato y el ratón, en el que van apareciendo nuevos participantes tras el naufragio del barco propiciado por los piratas.

Durante esos primeros 50 minutos estamos ante un claro exponente de survival. Will Denton es perseguido implacablemente por todo el islote, teniendo que ingeniarselas para escapar de sus sanguinarios enemigos. Lo mejor del filme es su aspecto áspero y tenebroso. El peligro se siente en cada plano. Will no puede huir, su única salida posible es engañar, diezmar y retrasar el ser capturado. Ellos son muchos y él está solo. Konge es una especie de registro primigenio del malvado Conde Zaroff y su más peligroso juego del mundo.

Las deficiencias de la película se notan con fuerza a partir de la mitad. Resulta inverosimil la actitud de los piratas que son muy numerosos respecto a Will. Este parece campar a sus anchas y los violentos piratas no se deciden de una forma seria a tratar de atraparlo de una vez por todas y la película parece agotar sus premisas iniciales en un tercio final más convencional. Aunque hay apuntes sexuales interesantes como la extraña y fantasmagórica relación que la única superviviente femenina del barco siniestrado adopta en relación al duo Konge y Will. Especialmente salvaje es la feroz reacción de Will ante el descubrimiento de la verdad sobre ella.

Estamos ante un producto claramente condicionado por sus características de producción, pero que resulta en su conjunto atractivo.

"LA MUCHACHA DE LA QUINTA AVENIDA" (5th Avenue girl) 1939

Una excelente muestra del talento cinematográfiallco de aquellos cineastas que hicieron su trabajo en la era de los grandes estudios. Una producción RKO en la que podemos leer en sus títulos de crédito nombres tan sólidos como el de Pandro S. Berman en la producción, Darrel Silvera en el diseño de decorados o nombres de la casa como el de Robert Wise en el montaje o Tim Holt en la interpretación, ambos repetían en otra producción RKO, "The magnificent Ambersons" de Orson Welles. Hay más nombres importantes, el guionista Allan Scott cuya filmografía impresiona con títulos como "Sombrero de Copa" (Top Hat) o "Imitación a la vida" (Imitation of Life), la fotografía de Robert de Grasse quien hizo otras maravillas en RKO como "El Ladrón de Cadáveres" (Body Snatchers) y por supuesto su director el elegantísimo y muy olvidado Gregory La Cava.

"La Muchacha de la Quinta Avenida" no es una gran película, pero si un buen trabajo realizado en serio y con ese oficio y artesania de aquellos años constituyendo un elaborado filme que mantiene hoy en día, muchas de sus cualidades.

Un empresario de bombas de riego, el señor Borden (genialmente interpretado por Walter Connolly) en el día de su cumpleaños se va al parque a pasar la tarde tras ver que su familia ni siquiera se ha acordado de la fecha. Está cansado de dirigir una empresa que ya solo le da quebraderos de cabeza y de una mujer que ya no le quiere y unos hijos que no le hacen ningún caso.

En el parque conoce a una curiosa y hermosa mujer, Mary Gray (personaje interpretado por Ginger Rogers de una forma extraña y a la vez fascinante). No tiene donde ir y su carácter es un tanto agrio y ácido. El Señor Borden enseguida se fija en ella, conversan y él decide invitarla a cenar y pasar su cumpleaños con ella. En el local el señor Borden se encuentra con su mujer, que esta a su vez con un amigo/amante. Se emborrachan y arman un escándalo que saldrá en los periodicos al día siguiente. Mary Gray pasa la noche en casa del Señor Borden. Este no se acuerda de nada de la noche anterior pero al observar la reacción de desaprobación de su mujer dedide contratar a Mary para hacer creer al resto de su familia que tiene una aventura con ella y que salen a divertirse todas las noches. En realidad a ninguno de los dos les gusta salir a "divertirse" y en realidad dan paseo con el coche hasta que es madrugada y pueden volver a casa. El señor Borden tambien se despreocupa de su fábrica y es su hijo quien tiene que hacerse cargo de su puesto. Al principio todos ven en Mary a una cazafortunas pero poco a poco se van acercando a ella.

Todo esta narrado con gran exquisitez y el guión tiene varios niveles de lectura, la depresión, la familia, el dinero o la falta de el y algunos políticos aunque muy inocentes expresados por el chofer del señor Borden que arenga al resto del servicio con ideales comunistas. La cámara de La Cava convierte a la mansión de los Borden en un personaje más, es impresionante el uso estético que hace de unas grandes y elegantes escaleras centrales que son recorridas por los personajes y mostradas por la cámara en todo tipo de travellings (laterales, frontales...) El guión no se inclina hacia la comedia en su totalidad y a esto ocntribuye especialmente el personaje de Mary Gray una mujer de la que no conociendo cuales han sido sus circunstancias entendemos que estas no han sido buenas. Parece una persona "quemada" y con un sentido del humor agrio y que como ya he mencionado anteriormente Ginger Rogers interpreta como si nada le importarse, su presencia física parece no amoldarse a ningún espacio y su cuerpo da la sensación de estar separado de los demás personajes a traves de una especie de barrera invisible.

La película está muy bien y resulta una pieza de lo más curiosa a pesar de que en su parte final se resuelva de una forma un tanto convencional consiguiendo todos los personajes sus objetivos y dándole al espectador el típico happy ending.

LA JUNGLA 2: ALERTA ROJA (Die Hard 2) 1990

Recuerdo bastante bien cuando vi esta peli en el cine. Era en Navidades y había leído muchas cosas sobre ella. En su momento fue la película más cara de la historia. Su productor Joel Silver no reparó en gastos para convertir al film en un gran espectáculo que hiciera buena caja. A mi me gustó mucho la primera entrega, de hecho en aquel momento la tenía muy reciente porque la había vuelto a ver hacía muy poco en un reestreno. El caso es que deseaba ver aquella película y al final no me gustó mucho. Me decepcionó bastante. La volví a ver por la tele hace unos ocho años y me pareció mucho peor, muy aburrida. Con los años mi percepción del cine se ha ido haciendo bastante más flexible, antes ponía muchos reparos a gran cantidad de títulos y me dejaba influenciar por los críticos en exceso, ahora puedo disfrutar de cualquier subproducto o mediocridad sin miedo a justificarme y con esos nuevos ojos he vuelto a ver "La Jungla 2". La pusieron por la tele el día de Navidad, la grabé y la he vuelto a ver.

Me ha parecido más interesante, aunque creo que no funciona bien. Me parece importante indicar que la segunda parte es el capítulo que mejor se acopla a la película fundacional, tanto en lo visual como en lo argumental. Es una perfecta segunda parte ya que conserva a buena parte del equipo interpretativo de "La Jungla de Cristal" y también del equipo técnico, aunque John McTiernan fuera sustituido por ese hábil realizador que es Renny Harlin y el director de fotografía Jan de Bont por Oliver Wood , quienes se esforzaron al máximo por continuar la labor que emprendieron sus predecesores. De hecho Harlin, que nunca ha demostrado ser un realizador muy personal, parece que estuvo decidido a respetar el trabajo de McTiernan a través de una planificación y uso del formato panorámico que estuviera en consonancia con la primera Jungla. El guión lo coescribe Steven E. de Souza, quien ya se encargó del libreto de la primera parte y se nota su mano en la continuidad de rasgos característicos de su personaje principal.

Me gusta de esta película que se mantiene el carácter cínico de su protagonista, que vuelvan a aparecer parte de los personajes del anterior título aunque sea del todo inverosimil que su mujer y el periodista estén en el avión o el policía que encarna Dennis Franz. Practicamente todo el metraje de lo que podría ser más o menos la primera media hora es excelente. Presentación de personajes, toda la escena en la que McClane intuye por primera vez que algo va mal y sigue a dos posibles sospechosos desde el bar hasta el interior de la sala de las maletas. Es sin duda una película en la que son mucho más interesantes los momentos de suspense o de intento de resolución de conflictos como la escena en la que MaClane trata de impedir que un avión se estrelle mediante un par de antorchas.


Las escenas de acción sin embargo son muy poco vistosas, Básicamente un par de rutinarios tiroteos y algunas peleas como la del ala del avión parecen resueltas con pocas ganas. El tema del villano es también uno de los grandes problemas de la película, escindido en tres personajes resulta muy poco interesante, ya que ninguno tiene la entidad del villano que Alan Rickman encarnara admirablemente en la primera parte. Además el tema de los militarotes funciona bastante mal y resulta poco interesante.

La Jungla 2 tiene momentos algo aburridos, pero vista ahora tiene cierto encanto en su construcción física y falta de tecnología digital, todo parece realizado a través de maquetas y trucajes delante de cámara. Vista hoy tiene un look completamente diferente al de la cuarta entrega por ejemplo y que por cierto me pareció no solo bastante tonta sino que al igual que la tercera entrega podría haberse llamado de cualquier otra manera, sin necesidad de que apareciera McClane y hubieran sido dos pelis cualquiera de acción.

Es una película que se puede disfrutar si no se le pide nada más de lo que puede dar y que se emparenta con otras secuelas tan torponas como "Arma Letal 2" por ejemplo, en su concepto de repetir el modelo anterior pero con mucha mayor caradura por parte de todos sus participantes.